Diciembre 10 2013

ARTE RACIONALISMO  

 El racionalismo es la arquitectura de nuestro tiempo. La vivienda que utilizamos en las ciudades, los conceptos urbanísticos, y el mundo artificial que nos rodea cotidianamente es de concepción racionalista.      La arquitectura racionalista se caracteriza por la desornamentación decorativa, la sinceridad de los materiales (que alcanza su máxima expresión en el brutalismo de Auguste Perret), y los volúmenes de geometría perfecta, cubos y prismas cuadrangulares. El racionalismo rompe con el pasado en sus símbolos y su lenguaje. La forma es consecuencia de la función. El racionalismo triunfa sin paliativos porque ayuda a las nuevas tecnologías y se sirve de ellas, de la industria, y además ayuda a optimizar el precio del suelo en los países capitalistas. Sin embargo, el racionalismo no pretende limitarse a construir edificios, sino que es toda una nueva concepción de la ciudad como centro urbano, mercado y lugar de habitación. Propone dividir la ciudad en espacios funcionales, pero organizados racionalmente 
y no dejando a las fuerzas del mercado capitalista la organización de la ciudad. Esta concepción de la urbe, dividida funcionalmente, tiene gran peso en las ciudades actuales, aunque no se han podido librar del peso de la historia, ni del imperio del mercado del suelo. 


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ARTE TACHISMO   

 Corriente artística pictórica que se desarrolló entre los años 40, 50 y comienzo de los 60 en Europa. Los tachistas asumieron la expresión de la mancha como referente y signo característico de sus producciones. En las pinturas de este estilo priman composiciones realizadas sobre la base de brochazos, de la gestualidad y de las manchas de color. 

• Pintura abstracta, no geométrica, ni constructivista. 
• Carácter gestual-informal marcadamente expresivo.
•  Menguada expresión de la línea y el color (carácter lírico).
•  imágenes asociadas a signos abstractos y arabescos que recuerdan las caligrafías o pinturas orientales (fundamentalmente en las obras de Hans Hartung). 
• Empleo de manchas o borrones creados espontáneamente (Georges Mathieu). 
• Libertad extrema en la composición. 
• Uso limitado del color, llegando en ocasiones a composiciones prácticamente acromáticas.  Marcada espontaneidad creativa.
•  Negación de toda etapa de planificación o de reflexión previa.
•  Procederes pictóricos basados en goteos y manchas de pintura; muchas veces provenientes directamente de los tubos de pintura. 

 http://www.ecured.cu/index.php/Tachismo#Caracter.C3.ADsticas    

EXPRESIONISMO ABSTRACTO   

El Expresionismo abstracto es un estilo artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. 


http://www.ecured.cu/index.php/Expresionismo_abstracto 
   
ARTE MARGINAL  

Surge en Francia mediado de los años cuarenta de la mano de Jean Dubuffet. Esta dentro del informalismo, pudiendo clasificarse como una fusión de estética neofigurativa (neo figuración) y de pintura materica. Dubuffet definió el ¨Art Brut¨ como: ¨toda clase de producciones que presentan un carácter espontaneo y fuertemente imaginativo¨ (en francés, ‘arte en bruto’), término fijado por el pintor vanguardista francés Jean Dubuffet para designar el arte creado por personas que son ajenas a las formas de expresión artística y a los valores culturales tradicionales y que pintan espontáneamente para satisfacer una necesidad interior. El concepto del arte popular, imposible de fechar, surgió de la noción del «pueblo», la misma que aparece en la Revolución. Los creadores del Art Brut son, sobre todo, niños, gente con graves desequilibrios mentales, presos o marginados sociales. Este tipo de arte puede ser poco sofisticado, considerado en términos artísticos convencionales, pero atrajo la atención de Dubuffet por su pureza, originalidad y por estar libre de ataduras culturales. Se diferencia del arte naïf en que éste está realizado de cara a un reconocimiento público, mientras que el impulso que hay tras el Art Brut es de carácter totalmente íntimo.  La creatividad del arte bruto o «arte fuera de las normas» halla su inspiración en este mismo abordaje del arte popular.


http://bauhausinformalismo.wordpress.com/arte-bruto-arte-marginal/      
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ARTE INFORMALISMO   

 Movimiento artístico posterior a la Segunda Guerra Mundial que se desarrolla prácticamente al unísono en Europa y los Estados Unidos. La característica fundamental de las producciones informalistas radica en la valoración de las superficies y las cualidades de la materia, así como la peculiaridad de ser una producción ceñida al extremo con la ruptura de la forma, lo abstracto y lo gestual. 


http://www.ecured.cu/index.php/Informalismo    

ARTE ESPACIALISMO 

El espacialismo es una tendencia pictórica desarrollada en Italia por el argentino Lucio Fontana en la década de los años cincuenta del siglo XX. mediante la discontinuidad física del lienzo. Para ello realizó una serie de 
obras a las que tituló “Concetto Spaziale” (concepto espacial). En 1946, publicó en Buenos Aires su célebre “Manifesto bianco” (manifiesto blanco); y en 1947, fundó en Italia el grupo “Spazialismo” (espacialismo). Los planteamientos teóricos del grupo se dieron a conocer en su primer “Manifiesto del Espacialismo” (1947) firmado por Kaisserlian, Joppolo, Milani y Fontana. Posteriormente difundieron otros cinco manifiestos. 
El espacialismo está encuadrado dentro del informalismo y, hasta cierto punto, puede considerarse como una variante de la pintura matérica. - Búsqueda de un arte libre de todo contenido formal, objetivo o ilusionístico (“artificios estéticos”). Fontana postulaba un “arte libre de todo artificio estético”, lo que le llevó a investigar las posibilidades espaciales de la pintura - Creación de efectos espaciales mediante la discontinuidad material del lienzo: el espacio queda definido mediante una serie de acuchillados, tajos o agujeros espaciados en la superficie de la obra. De esta manera el lienzo se conecta con el espacio real circundante que irrumpe en el contexto del cuadro. - En algunas obras, acentuación o resalte del concepto espacial creado por los tajos o perforaciones, mediante su combinación con acumulaciones de pintura y de otras materias sobre la superficie del lienzo. - Empleo de colores planos y fondos generalmente monocromáticos.


 http://bauhausinformalismo.wordpress.com/espacialismo/ 

 OP ART  

La expresión "Op art" corresponde a la abreviación de "optical art", la cual es una  forma artística contemporánea que alcanzó su auge en la década de 1960. El op art consiste en efectos cromáticos y formales dinámicos, que incorpora la indolencia visual, por lo que se aprecian más estructuras cromáticas que plásticas. El op art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda. La "pintura óptica" tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos. Si la pintura óptica de la posguerra ha de remontarse a una sola fuente, esa fuente incuestionablemente deberá ser Víctor Vasarely, húngaro de origen, que nació en 1908, quien fue estudiante de la academia Mühely, de Alexander Bortnyik, el Bauhaus de Budapest.


 http://www.profesorenlinea.cl/artes/OpArt.htm   

NUEVO REALISMO    

Nombre que designa al movimiento adoptado por artistas europeos bajo la coordinación del crítico francés Pierre Restany, quien en 1960 publica un manifiesto donde lo define como un nuevo enfoque de lo real. 
Aplicado a las corrientes de reacción contra el expresionismo abstracto, se caracteriza por recurrir a la apropiación de imágenes triviales realistas, representando objetos de deshecho de la sociedad, así como imágenes obtenidas de los medios de comunicación, de la realidad urbana cotidiana, y de tecnología y la industria. Técnicamente, gusta de los assemblage y del azar, recordando en todo momento la importancia de lo real, sin ser necesaria para ellos la transposición de emociones. Arman, Daniel Spoerri y [Jean Tinguely]], son algunos de sus miembros más destacados. Su obra ejerce importante influencia en el sucesivo tratamiento del objeto.
   

•  La sociedad y sus problemas se constituyeron en el tema central. En el realismo ya no importaba el mundo subjetivo del autor, sino el entorno social y personal de los personajes. 
•  Los autores retrataban fielmente lo que veían. Por eso la literatura realista presentó asuntos verosímiles, posibles y objetivos. 
•  En esta búsqueda de objetividad, los autores realistas adoptaron la actitud de un cronista que observa lo que ocurre y se esfuerza por describirlo minuciosa y exhaustivamente. 
•  La descripción objetiva tenía un fin didáctico: pretendió mostrar los defectos de la sociedad para crear la necesidad de corregirlos.  

http://www.ecured.cu/index.php/Nuevo_realismo   

POP ART  

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte. El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática. El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot- dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad. 


http://www.arteespana.com/artepop.htm 
http://pensamientoarte.files.wordpress.com/2011/04/warhol_marilyn_hs-778580.jpg  

ARTE HAPPENING
  
Happening. Término acuñado por Allan Kaprow en 1959. Es una manifestación colectiva que requiere la participación activa del público y en la que el proceso tiene tanto interés, si no más, que el resultado. Los artistas que utilizan este método muestran un claro rechazo a la manera tradicional de la creación de la obra de arte. Su origen proviene del desarrollo del Assemblage y del Environment y se inicia y desarrolla 
principalmente en Estados Unidos, siendo sus protagonistas: John Cage, Kaprow, Jim Dine, Rauschenberg o Lichtenstein, entre otros. Fuera de América el happening fue utilizado por el grupo Gutai en Japón y por el grupo Fluxus. Íntimamente ligado al Teatro, a las acciones y al Arte de la Performance, el happening recuerda ciertas manifestaciones del futurismo y del dadaísmo, y seduce a muchos artistas Pop, pero también a artistas conceptuales y partidarios del body art.
   

http://www.ecured.cu/index.php/Happening   

ARTE MINIMALISMO  

 El término minimalista, en su ámbito más general, es referido a cualquier cosa que se haya desnudado a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es la tendencia a reducir a lo esencial. El minimalismo puede considerarse como la corriente artística contemporánea que utiliza la geometría elemental de las formas. Las formas son las que establecen una estrecha relación con el espacio que las rodea. Para ello el artista se fija sólo en el objeto y aleja toda connotación posible.  Las obras del Minimalismo buscan la sencillez y la reducción para eliminar toda alusión simbólica y centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio circundante.  Se habla de minimalismo refiriéndose a toda austeridad estilística, al énfasis en la geometría y la anulación de la técnica expresiva en las obras de tres dimensiones, principalmente. B. Rose señaló su carácter de objetos literales, objetos que se definían únicamente por una afirmación literal y enfática de su existencia en tanto que no querían sugerir nada más allá de sí mismos. 
 Los minimalistas pretenden que sus obras sean como los números, moral y metafísicamente neutrales. Que no demuestren evidencia de trabajo, pues no se valora la habilidad manual. Para ellos el trabajo es alienante, rechazan el concepto heroico de la actividad creadora y, sostienen que la labor física es lo menos importante del arte, preferían absorber ideas más que técnicas. El minimalismo no es metáfora ni símbolo de nada. 
 Las características básicas del estilo minimalista son:- Abstracción total: las obras operan sólo en términos de color, superficie y formato- Economía de lenguaje y medios.- Producción y estandarización industrial.- Uso literal de los materiales.- Austeridad con ausencia de ornamentos.- Purismo estructural y funcional.- Orden.- Geometría Elemental Rectilínea.- Precisión en los acabados.- Reducción y Síntesis.- Máxima sencillez.- Concentración.- Desmaterialización.- Ausencia de contenido formal o de estructuras relacionales.- Carácter "opaco".- Superficies enfáticas monocromáticas. 

http://artenihilista.blogspot.com/2010/01/concepto-y-caracteristicas.html http://asymptotia.com/wp-images/2007/07/Dan_Flavin_4.jpg    

ARTE HIPERREALISMO  

El hiperrealismo es un estilo pictórico que nació en Estados Unidos tras el Pop Art y que se basa en la reproducción detallista y fotográfica de la realidad. También con este estilo existen el fotorrealismo y el realismo mágico, todos representando la realidad de modo realista y detallista pero con sus diferencia expresivas. La utilización de nuevas tecnologías, y sobretodo la fotografía, permiten al artista desarrollar este tipo de estilo muy difícil de realizar y que requiere un gran control de la técnica, tanto dibujo como color. 

Pintura “Dazzling Dozen o Deslumbrante docena”, de Charles Bell. 1994, óleo sobre tela. 116cm x 165cm. Desde que nació este empeño por copiar la fotografía y mejorarla gracias a la capacidad de la pintura, muchos artistas son los que continúan y dan sentido a este estilo. Sus obras sorprenden no solo por la capacidad pictórica que demuestran, también por cómo la visión del artista acaba modificando la realidad y haciéndola más potente, “hiper” realista, mucho más que lo que nuestros ojos sencillos pueden ver. Las luces, el contraste perfectamente entonado, los colores vivos, los dibujos complejos, las composiciones bien estructuradas, etc, son los fuertes elementos visuales que requiere el hiperrealismo para lograr sus objetivos: tener más vida que la propia realidad.Buscando en Internet se pueden encontrar muchos artistas hiperrealistas. En este listado de 10 artistas presento una selección que me ha parecido muy interesante. Algunos de ellos pintan ideas muy sencillas, y es la buena elaboración y su maestría pictórica, lo que le aporta gran belleza al tema, y lo que le da sentido a este estilo, que 
de otro modo, no haría sino que el mismo trabajo que una gran fotografía actual. 


http://www.pinturayartistas.com/hiperrealismo-contemporaneo-10-artistas/  

ARTE CONCEPTUAL 

El Arte conceptual es un forma contemporánea de representación artística, en la cual, una idea o concepto específico, muchas veces personal, complejo e inclusivo, toma una forma abstracta, no convencional, basada en la negación de principios estéticos. El Arte conceptual es diferente del “Concepto” visto como contenido del arte, pero puede ser considerado una forma abstracta de la idea y de la percepción del trabajo artístico originada en la mente del artista, que luego puede ser presentada en una variedad de formas. 
A través del uso de diversas técnicas, el Minimalismo, el Performance, la Instalación,… los artistas conceptuales buscaron reinterpretar lo que los artistas Pop ya habían presentado de una forma desorganizada y sin bases en la teoría del arte. De hecho, definiendo el concepto de un objeto, de diversas formas y a través de una presentación lingüística y con explicaciones escritas, cuestionaron directamente la más intrínseca naturaleza del arte, sus aspectos mentales e imaginarios. 
En el arte conceptual, la relación entre artista, obra de arte y espectador fue transformada. Una obra de Arte conceptual no es una mera narración de la naturaleza en sus muchas variantes; los artistas, a través de inferencias personales, utilizan los elementos disponibles de la expresión para representar no solamente la naturaleza de los objetos sino además temas políticos, sociales y tecnológicos. En muchos casos el espectador, y 
a veces el artista en si mismo son parte íntegra de la obra de arte y su concepto base. 


http://www.ecured.cu/index.php/Arte_conceptual  

LAND ART  

Land Art. Tendencia del arte contemporáneo que usa los paisajes y los elementos de la naturaleza como escenario y medio para realizar obras de arte. El principio más importante del Land Art es intervenir en el espacio de la naturaleza, pero en ningún momento quiere ni busca maltratar el espacio, todo es con sentido artístico.  
También conocido como arte de la tierra, puede ser visto como parte del amplio movimiento de Arte conceptual con auge en las décadas de 1960 y 70. Los artistas del Land art empezaron a trabajar directamente en la naturaleza, el paisaje; esculpiendolo o realizando esculturas con rocas o ramas; algunos de ellos usaron maquinas para mover tierra. Uno de sus exponentes, Richard Long, simplemente caminó de un lado a otro del terreno hasta que dejó una marca en la tierra. El Land art ha sido usualmente documentado con fotografías y mapas que los artistas han exhibido en las galerías. Los artistas de esta corriente también han realizado Land art en la propia galería trayendo materiales de la naturaleza y usandolos para crear instalaciones. Probablemente la obra más famosa de Land art es Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson, una obra llevada a cabo en los lagos de Great Salt Lake  ESTADOS UNIDOS. 


http://www.ecured.cu/index.php/Land_art  

NUEVA ABSTRACCION   

Surge en los Estados Unidos a finales de los años 50 como una concepción más formalista que las corrientes que se integran en la Abstracción Postpictórica. La Nueva Abstracción rechaza todo lo que pudiera resultar anecdótico en beneficio de la máxima pureza del lenguaje. La obra se define como un sistema cerrado, casi siempre en gran formato, en el que predominan los colores puros, incluso primarios, en soluciones bicrómicas ó tricrómicas sin gradación tonal.  Sus antecedentes se encuentran en las actitudes más radicales de las primeras Vanguardias, particularmente en la Abstracción Geométrica, aunque sin vínculos con el espiritualismo que caracteriza a la producción de maestros como Vasili Kandinsky o Kasimir Malévich. 

http://www.arteseleccion.com/movimientos-es/nueva-abstraccion-187 

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ARTE POVERA   

Arte povera. En italiano significa “arte pobre“. El Arte Póvera surgió en Italia en 1967. Bajo la denominación de Arte Póvera se integran actividades artísticas muy variadas, pero que, en general, todas ellas se caracterizan por un común denominador, el hecho de que las obras se hallan constituidas por materiales pobres. 
El crítico y curador Germano Celant, acuñó el término “arte povera” para articularlo teóricamente e inscribirlo en la cultura del mundo moderno con regulares muestras, tanto colectivas como individuales. Con ese nominativo apareció por primera vez en el catálogo escrito para la exposición Arte Povera y Spazio (Galería La Bertesca, Génova) en septiembre de 1967. Celant se inspiró en uno de los conceptos teatrales del dramaturgo polaco Jerzy Grotowsky, para describir un nuevo arte libre de la mediación e imposiciones de las construcciones lingísticas y culturales. 


http://www.ecured.cu/index.php/Arte_povera https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaaO96m0WSKSjP5ZdaQttGRBeKnHxeReGguh8WQrQ6Lxt6d2WLXr6DW_D4UeuUTlhIIUYuXBsvI940EPSgIOup4fCWODxyzZq2F-dA-eKFtUooC5xto86UVLWzgGp07-BbEYphrrco5yk/s1600/51-Michelangelo+Pistoletto+(1933).jpg